Film malade, idiosyncrasie

Dans la lignée de "L'aurore" et "La foule", c'est la version US de "Les hommes le dimanche" et ça aurait pu être un chef-d'œuvre comme "A Cottage on Dartmoor" (1929) d'Anthony Asquith. Surtout qu'il y a des images teintées, puis coloriées, puis teintées, ce qui est kitscho-réussi. Le problème est que le jeu est parfois théâtral et surtout les dialogues sont stupides. C'est un des premiers films sonores. J'ai vu la version francophones ou les dialogues sont parfois remplacés par des titres (le doublage ou le sous-titrage n'existant pas encore semble-t-il)… Avec un son parfois cacophonique.

Vu dans la salle Plateau vers début 2013.

9

Film fantastique très étonnant pour l'époque, mais également très décevant en raison des nombreuses grosses incohérences de son scénario, de ses personnages hyper-stéréotypés et surtout son racisme colonialiste chrétien (beaucoup de cloches) tellement ridicule qu'il devient, au second degré, comique : tenez-vous bien, le Dalaï-Lama est en réalité un prêtre belge (!!!) qui a construit, en deux cents ans avec 2000 indigènes, une ville moderne on ne sait pas comment à la fin du film... Quel soupe délirante surréaliste !

De nombreuses longueurs et redondances assommantes dans la version restaurée dans les années 1970 aux USA (vue en juillet 2014 dans la salle Ledoux) avec passages en 16mm gonflés et même photogrammes + son. Il semblerait que le film durait à sa sortie 210 minutes (à vérifier.)

Les effets spéciaux (avion qui s'écrase en montagne) et les scènes de montagne sont remarquables. Le début fait penser à celui d'"Indiana Jones and the Temple of Doom" (1984).

petit 8

8

Ce qui aurait dû être le quatrième film de la série RKO produite par Val Lewton et réalisée par Tourneur est frustrant car il ne tient pas les promesses de son intrigant début, le scénario se révélant bancal et bâclé (mériterait une substantielle réécriture), avec, entre autres, trop de personnages maladroitement exploités, des motivations très floues et d’invraisemblables coïncidences dans un New York où tout le monde se connaît. De surcroît de nombreuses scènes ont été supprimées au montage et/ou au tournage (qui n'a duré que deux semaines), ce qui produit notamment une fin très étonnante.

"The Seventh Victim" was intended as an A film, but four scenes that had been photographed were edited out, as "Victim" was cut to a B film's running time of 71 minutes. This was a result of Lewton insisting that Mark Robson, who'd never directed a film before, direct this one. The studio brass didn't want Robson and gave Lewton a choice: get rid of Robson or lose the A-picture budget. Lewton chose Robson.

Following are the four scenes that were cut. Were they still in the film, the film's plot would make more sense than it now does.

Scene 1 - Gregory Ward visits Mary at the day care center where she works. In this scene, Mary admits, "It would be easier if Jacqueline were dead." At the beginning of the scene which remains in the picture--of Judd visiting Mary--Mary's supervisor says to her, "Aren't you the popular one? You've a visitor again," the last word making it clear she'd had an earlier visitor, Ward, whom we don't see because of the cut.

Scene 2 - Trying to discover what the Palladists have as a hold on Mary, Judd visits Mrs. Cortez, pretending to be interested in joining the group. Two points are made in this conversation between Judd and Mrs. Cortez: (a) That if good exists, evil exists, and one is free to choose. (b) Mrs. Cortez became a Palladist because, "Life has betrayed us. We've found that there is no heaven on earth, so we must worship evil for evil's sake."

Scene 3 - Judd makes a second, longer visit to Mrs. Cortez, indicating that he is ready to join the Palladists. In this conversation, Judd unintentionally reveals that Jacqueline is staying with Mary at the rooming house. This lets us know how the Palladists were able to trace Jacqueline to Mary's room in order to kidnap her. In the truncated print, viewers haven't a clue as to how the Palladists found Jacqueline.

Scene 4 - A final scene, which followed Jacqueline's suicide. Mary, Gregory, and Jason meet at the Dante restaurant. Gregory and Mary go off together, leaving Jason standing before the restaurant's mural of Dante and Beatrice, making clear his failure as an artist and lover; he says, "I am alive, yet every hope I had is dead. Death can be good. Death can be happy. If I could speak like Cyrano...then perhaps, you might understand."

In the British release print, Jason recites the entire Lord's Prayer to the Palladists, while only two lines of the Prayer remain in the American print, which is the one usually shown.

"I run to death and death meets me as fast,/And all my pleasures are like yesterday" are from Donne's Holy Sonnet 1, lines 3 and 4. I believe the film credits them to Donne's Holy Sonnet 7.

Details about Lewton insisting on Robson as director and the cutting of these four scenes can be found in "Fearing the Dark: The Val Lewton Career" by Edmund G. Bansak (McFarland) and "Val Lewton: The Reality of Terror" by Joel E. Siegel (Viking)

Néanmoins, la photographie de ce petit budget est souvent brillante, en particulier les lumières et les ombres dans des décors artificiels et des cadrages géométriques provoquant une atmosphère fantastique, troublante, proche des peintures d'Edward Hopper

Effrayante scène de douche qui aurait influencé Alfred Hitchcock qui aurait vu cette série B.

Cette série de film produits par Val Lewton ont clairement influencé l'esthétique du film noir qui aura son heure de gloire quelques années plus tard. On songe par exemple à une autre série B qui transcende ses maigres moyens : "Detour" (1945) de Edgar G. Ulmer.

9 (car suffisamment intéressant pour l'époque, malgré ses gros défauts.)

Jamais vu.

http://alligatographe.blogspot.com/2010/07/la-rue-sans-loi.html

Dernière collaboration entre John Ford et John Wayne, "Donovan's Reef/La taverne de l'Irlandais" est une screwball comedy située dans une petite île française du Sud-Pacifique et filmée à Hawaii. Elle met en scène une improbable communauté bon enfant idéalisée où l'on se bat au tesson de bouteille (mais personne n'est blessé, pas une goutte de sang ou une égratignure) avant de se réconcilier autour d'une bière. Cela rappelle "L'homme tranquille" (1952), sans la rigueur formelle.

Le cow-boy, recyclé en patron de bar (qui seraient les clients de cet établissement isolé dans un bled perdu ?), semble un peu vieux pour jouer les séducteurs. Lee Marvin est à l'affiche pour prendre des vacances au soleil et se saouler. Les acteurs surjouent en permanence afin d'affirmer la truculence de leur personnage. L'ensemble est ridicule et artificiel. Il y a une sorte de morale réactionnaire humaniste. C'est du Ford pur jus.

Le monstre mérite paradoxalement le coup d'œil car il est unique. Il s'agit d'une comédie comme Hollywood en produisait dans les années '30 réalisée par l'un des plus illustres monuments de l'époque, ici en fin de carrière, en roue libre, qui n'a plus rien à prouver, se permet tout, ose n'importe quoi. Avec ses amis. En couleurs. Dans des décors naturels paradisiaques.

8

Bergman atypique injustement méprisé, remarquable notamment pour les couleurs.

Vu une seule fois vers 2007 au Shell.

10

Vu une seule fois vers 2006.

Parodie malade, ratée, mais qui vaut le détour pour son caractère idiosyncrasique délirant et son casting (David Niven, Peter Sellers, Orson Welles, Woody Allen, Belmondo etc.)

8

Sorti après un quart d'heure vers 2002 au Musée. Revu dans la salle Ledoux en avril 2014 une copie belge d'époque un peu usée en bords de bobines.

On ne comprend pas grand chose au scénario, une suite de scènes confuses, ni du point de vue de l'anecdote (Que se passe-t-il à l'écran ?, Qui sont ces gens ?, Quelles sont leurs motivations ?), ni au point de vue de son sens profond. Ce serait une critique/ou/et/éloge de l'immoralité de la société de consommation post-chrétienne, via la Rome pré-chrétienne, une sorte de précurseur du "Salò ou les 120 Journées de Sodome" de Pasolini. C'est raté car si cela peut se deviner à l'occasion, l'ensemble reste très brumeux et finalement, on n'a jamais finalement compris si Fellini est pour ou contre ce Sodome des mécréants. Il semble, en réalité, surtout fasciné.

C'est très baroque, grotesque (on pète gaiement comme dans la "trilogie de la vie" de Pasolini), exagéré et l'insupportable post-synchronisation surjouée donne la migraine. La mise en scène, la bande-son remarquable et ses décors sont d'avant-garde. Quelques plans sont fulgurants. Les couleurs sont parfois magnifiques. Dommage, tout ce gaspillage de talents pour un résultat si désagréable.

« Le spectacle est prodigieux. Terrible et sublime à la fois, parce que Fellini transcende la laideur en beauté. Son art de la mise en scène, son génie plastique, cette inspiration baroque qui lui permet d'orchestrer en virtuose ses délires, cette aisance de grand seigneur pour tirer parti des gigantesques moyens offerts à sa prodigalité, nous valent des séquences inoubliables. Il arrive pourtant que cette suite de « tableaux » sans structure dramatique crée à la longue une impression de monotonie. […] Prise séparément, chaque image nous émerveille. Mais, au-delà de cet émerveillement, nous ne ressentons rien, sinon le vague effroi et le triste dégoût que peut provoquer une réunion de monstres au milieu de cadavres. »

— Jean de Baroncelli, Le Monde, 20 décembre 1969

7

A des points communs avec "Satyricon" (1969) de Fellini.

7

Sorti pendant l'été 1977 seulement dans quelques villes des USA. Échec critique et public. Mais a eu une longue carrière internationale en cassette VHS.

Annonce tellement Bill Plimpton que si je ne l'avais pas su, j'aurais vraiment cru qu'il s'agissait de lui. A parfois aussi le look d'un pré-clip vidéo dans la lignée des dessin animés avec les Beatles, ici plutôt dans la veine des Rolling Stones ou de Frank Zappa (dont les musiciens ont composé la bande originale de ce film.)

Puisque c'est produit par Roger Corman (surfant sur le succès de "Fritz the Cat" de Ralf Bakshi) qui a changé le titre (de "Cheap" à "Dirty Duck") on pourrait appréhender un résultat bâclé, mais pas du tout : l'animation est de la meilleure qualité.

Charles Swenson a surtout réalisé des animations publicitaires, un téléfilm d'animation connu aux USA et des séries animées des années '80-'90.

Ai vu au Nova, en mars 2018, une copie 35mm légèrement virée au rose, mais sans sous-titre. Vu mon état de fatigue et le caractère plus ou moins onirico-poétique ou psychédélique du film, j'ai malheureusement décroché à la moitié.

10

Le "House" japonais (l'américain de 1985 n'aura aucun rapport) est curieusement auréolé d'une solide réputation depuis les années 2000, y-compris chez les très jeunes (ceux nés après 2000), alors qu'il était passé inaperçu en France/Belgique notamment à l'époque de la VHS. Il semble avoir été redécouvert aux USA vers 2007.

Le Nova l'a programmé vers mars 2018. Dirk, le patron flamoutch de l'Offscreen, avait projeté son Blu-ray aux sous-titres anglais. Ce directeur flamoutch de festival, subventionné par la Communauté française Wallonie-Bruxelles, n'a pas l'œil aiguisé par des années d'études et en conséquence ne distingue pas la différence de qualité entre le 35mm et un Blu-ray, et même un DCP destiné à être projeté en salles et un Blu-ray. Il semble légitime de s'interroger sur la cohérence de la Communauté française Wallonie-Bruxelles qui finance de longues études qui aiguisent l'œil de Wallons, puis subventionne des Flamoutchs incapables de faire l'effort d'étudier... Et reproche aux Wallons, qu'elle a pourtant elle-même diplômés, d'être sans emploi.

Bref, j'étais mal assis (le Nova est réputé pour ses sièges inconfortables) devant une copie inadaptée à un écran de cinéma, sans doute fatigué par un horaire impossible (programmation trop concentrée sur moins de trois semaines, avec des films qui se chevauchent) de « festival ». Et avec des sous-titres en anglais, alors que "House" est relativement bavard. On m'avait alors annoncé des effets spéciaux artisanaux de l'époque, mais avait été déçu par, en réalité, plutôt des effets spéciaux vidéo, certes encore expérimentaux et très novateurs dans les années 1970. Je n'étais pas entré dans le film et m'étais vraisemblablement assoupi ici et là.

La Cinematok l'a programmé en novembre 2023 en séance unique, malgré sa popularité (comme précisé ci-dessus). "House" (1977) est finalement sorti en France six mois plus tôt. En conséquence, la salle Ledoux était pleine, avec liste d'attente. Elle a projeté le DCP destiné aux salles de cinéma, distribué par les Parisiens de Potemkine. C'était donc sous-titré en français. Leur copie m'a paru a priori plutôt correcte. Les effets spéciaux m'ont paru mieux se fondre, moins grotesquement amateurs. Par contre, alors que les conditions étaient meilleures, je ne suis toujours pas entré dans le film, qui est essentiellement un film de fantômes chinois ("The Legend of the 7 Golden Vampires", coproduit par la Hammer, date de 1974, "Black Magic", également de la Shaw Brothers, date de 1975) dans une maison hantée, avec cinq ou six jeunes japonaises costumées en lycéennes. Le problème est que ces personnages sont sans la moindre épaisseur, que rien ne les distingue, sauf une qui porte des lunettes et une autre qui pratique le kung-fu. Le scénario a été écrit par la fille du réalisateur, âgée de treize ans ! La narration est décousue, éclatée. C'est difficile à suivre. Le ton est gentiment parodique, grand-guignolesque, mais, sans enjeu, cela devient vite répétitif, lassant, épuisant (paradoxal pour un divertissement). La forme, du kitsch élégant, entre publicité télévisée (qui était le gagne-pain du réalisateur), manga et vidéo-clip des eighties, est joliment soignée. Musique d'inspiration hippie.

8

Scénario adapté par Joel Schumacher (réalisateur de "Chute libre" en 1993, "Batman Forever" en 1995 et surtout "Batman & Robin" en 1997)

gros 7

Le Lombard Luigi Cozzi, devenu proche de Dario Argento à l'aube des seventies, désirait depuis longtemps réaliser un film de science-fiction. Suite au succès de "La guerre des étoiles", le producteur Nat(han) Wachsberger (un Belge qui avait coproduit en 1970 "Cannabis", avec Serge Gainsbourg et Jane Birkin) lui en offrira l'opportunité. S'il reprend quelques éléments du blockbuster de Lucas (le texte qui défile au début, les maquettes filmées du dessous, les combats au sabre laser, etc.), "Starcrash/Le choc des étoiles" s'inspire surtout des serials space opera de la fin des années 1930 (Flash Gordon, Buck Rogers), mixés avec "Barbarella" (1968). Les effets spéciaux (très) artisanaux sont dans la lignée de Ray Harryhausen ("Jason et les Argonautes" en 1963, plusieurs "Sinbad") en mode bon marché. Les acteurs semblent sous acide. Un budget trop maigre a empêché le tournage de certaines scènes importantes, ce qui ne renforce pas la cohésion d'un scénario (vraiment mauvais) écrit par un cinéaste naïf dont l'intention était de « jouer avec les codes du genre ». Une généreuse dose de second degré (volontaire) rend quelques dialogues, aux limites de la parodie, hilarants (« Même les robots sont phallocrates ! »). Le montage désastreux finit par rapprocher cette œuvre du rêve. Rêve chamarré.

9

Ce n'est pas son théâtre de l'absurde (à la Ionesco ou Beckett), inspiré par "Le fantôme de la liberté" (1974) de Buñuel, mais en plus vain et superficiel (même si on rit quelques fois des dialogues cyniques à la Michel Audiard, surtout dans la première moitié), qui fait l'intérêt du décalé "Buffet froid", mais son esthétique épurée et froide en fin de compte assez proche de celle d'Antonioni (architectures modernes géométriques soigneusement photographiée, avec une attention particulière à la palette des couleurs), ici dans de moroses banlieues parisiennes (étonnamment) désertes de la fin des années '70. Le chef op est Jean Penzer qui avait filmé sur le même ton "Les rendez-vous d'Anna" l'année précédente.

Le magistral début, situé dans des stations de métro (qui étaient alors infiniment plus belles que celles d'aujourd'hui), est particulièrement unique, triste, lugubre et restera un sommet artistique de l'art du vingtième siècle. C'est une sorte de "Play Time" (1967) dans des décors réels. On pense aussi à "Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution" (1965).

Avec des pointures au casting (Serrault, Depardieu, le père Blier, Carmet, la jeune Bouquet dans son deuxième rôle après "Cet obscur objet du désir" de Buñuel, ...)

Un des films qui m'ont marqué, lors de ses multiples diffusions télévisées, lorsque j'avais dix/douze ans et que je n'avais plus revu depuis une grosse trentaine d'années. Redécouvert en juin 2022 dans la salle Ledoux une copie d'époque avec deux ou trois sautes assez importantes, mais sinon en bon état.

9

"Buffet froid" est le meilleur film de Bertrand Blier. "Préparez vos mouchoirs" (1978) et "Beau-père" (1981) sont les deux autres sommets de sa carrière. J'estime que "Les valseuses" (1974) est surestimé. "Calmos" (1976) aussi. J'ai une impression mitigée de "Notre histoire" (1984), plus revu depuis au moins plus de vingt ans. J'ai également un bon souvenir de "La femme de mon pote" (1983), vu à la télévision il y a plus de 35 ans. "Si j'étais un espion" (1967), son premier long métrage de fiction, serait une sorte d'esquisse sévère en noir & blanc de "Buffet froid". Tout ce qui vient après est malheureusement moins intéressant.

Un Altman produit par Disney ! On ne remarque pas la patte du cinéaste, sauf dans sa manière de filmer les paysages en écran large (rappelle notamment "John McCabe"). C'est tourné à Malte dans un village construit pour l'occasion, peut-être trop artificiel, trop parc d'attraction, ce qu'il est devenu depuis.

Adaptation en forme de comédie musicale à la Broadway qui se révèle, dès le début, pataude.

Le spectateur adulte doit faire un effort d'indulgence face à un scénario anémique.

Reste un divertissement sans prétention qui conserve un certain charme décalé et bénéficie d'une patine liée à l'époque.

Shelley Duvall ("Shining") est irrésistible dans le rôle d'Olive. À noter qu'elle avait joué trois ans plus tôt avec Sissy Spacek dans un des meilleurs films du cinéaste "Trois femmes", que je n'ai jamais vu.

Il y a aussi Robin Williams, un peu trop grimaçant. Et le "faux Bud Spencer" l'Israélien Paul L. Smith dans le rôle de Brutus.

Vu lors de sa sortie, revu à la RTBF, revu au Musée vers 2000 et revu dans la salle Ledoux en août 2020.

petit 8

9

Bizarre dernier film de Fassbinder. Raté (mort avant la fin du montage), mais important pour le cinéma homo. Seul film du cinéaste en anglais.

Influencé par l'œuvre de Kenneth Anger ("Fireworks" en 1947, "Inauguration of the Pleasure Dome" en 1954" et "Scorpio Rising" en 1963.) Dans un décor volontairement artificiel (à Brest, un bordel en bordure de quai auquel est amarré un bateau plein de marins. Coucher de soleil orange sur la mer bleue foncé) et une lumière colorée à la Mario Bava inspirée par le travail de Russell Metty sur les Douglas Sirk en couleurs, une mise en scène chaotique qui rappelle l'épilogue de "Berlin Alexanderplatz", et occasionnellement baroque, à la Fellini. C'est plastiquement fort et original. Mais les personnages sont à peine esquissés, il y en a trop (adaptation d'un roman), c'est bavard, il y a une voix-off, donc le spectateur s'y perd, se détache car rien ne l'accroche, avant de lutter contre le sommeil (ai vu ce film quatre fois entre 1999 et 2014 et me suis endormi à chaque fois.)

De surcroît, il s'agit d'un film très homo, beaucoup plus que tous les autres films du cinéaste.

Travail de commande qui devait, au départ, être tourné en noir et blanc par Werner Schroeter avec des comédiens amateurs et en extérieurs. Fassbinder détourne le projet et néglige le scénario.

Jeanne Moreau (déjà fort âgée) chante : "Each Man Kills The Things He Loves" d'Oscar Wilde, sans doute le meilleur moment du film.

En réalité, un film très mineur, une référence par malentendu car dernier film du cinéaste (on en a fait abusivement son "testament") et devenu icône du cinéma gay.

8 Il faudrait le revoir bien éveillé (dormir beaucoup avant et prendre un café) ou deux fois à la suite.

Hommage au film noir, le dernier Truffaut n'est pas totalement réussi.

9

Un des navets les plus laids que j'ai vus de ma vie. Dans la lignée de "100 000 dollars au Soleil", mais avec plus de quinze ans de retard.

Alors que l'affiche évoque les films musclés de l'époque avec Silvester Stallone ou Chuck Norris, dans le film Belmondo, rattrapé par l'âge, inspire la pitié, suant en marcel avec ses rides de papy (il n'avait pourtant que 50 ans, 41 dans "Peur sur la ville" dans lequel il bondissait de toit en toit.)

Mis en scène et filmé platement comme un téléfilm, souvent les acteurs cabotinent entre deux mots d'auteur, car en réalité il s'agit non pas d'un film d'action ou d'un film de guerre, mais d'une bavarde comédie franchouillarde -de très très mauvais goût- à l'ancienne de Michel Audiard au sommet de sa beaufitude, de son cynisme (que ses admirateurs qualifient d'"anarchisme") et de sa vulgarité. J'ai ri deux fois.

Le scénario est faible, sans crédibilité, et le personnage joué par Belmondo n'a rien de sympathique.

Avec une Marie Laforêt de 43 ans, Jacques Villeret, plutôt mal dirigé et malheureusement sous-exploité. Et Michel Constantin, 59 ans, qui joue encore le bagarreur.

Tourné en Tunisie où la production a sali et pollué le paysage. Heureusement, l'on n'aperçoit que quelques rares musulmans fondus dans le décor.

Un film fatigué dont le budget semble trop restreint.

A stoppé la carrière de Verneuil réalisateur de divertissements à l'américaine. Il réalisera finalement, des années plus tard, deux films autobiographique sur le génocide arménien.

Vu une copie d'époque et quasi-neuve dans la salle Plateau en février 2015.

3-1 = 2 (coup de pied dans les testicules se voulant comique. Ça ne me fait pas du tout rire.)

Plus de sept ans plus tard, m'étant intéressé entre-temps au facétieux auteur de polar Pierre Siniac, je pense que ce film est une adaptation ratée d'un univers difficile ou impossible à adapter. "Les morfalous" devrait donc être redécouvert dans cette perspective. Peut-être chez soi, en plusieurs morceaux.

"Sheena, reine de la jungle", Tarzan en version féminine, fut la première héroïne de l'Histoire de la bande dessinée, en 1937. John Guillermin (réalisateur en 1959 de "La plus grande aventure de Tarzan" et en 1962 "Tarzan aux Indes") a souhaité travailler avec le scénariste de son remake écolo de "King Kong" (1976), Lorenzo Semple, Jr., qui avait aussi écrit les Batman des sixties, le Flash Gordon de 1980 et le dernier James Bond avec Sean Connery "Jamais plus jamais" en 1983. Les compères s'amusent des invraisemblances, des codes hollywoodiens, sans tomber dans le piège de la parodie.

Ce grand spectacle, pour petits (à partir de huit ans) et grands, recycle l'esprit des serials des années 1930/40 à la sauce du film d'aventure teinté de romance des années '80 ("Les aventuriers de l'arche perdue" en 1981 et sa suite en 1984 "Indiana Jones et le temple maudit" de Steven Spielberg ; "Romancing the Stone/À la poursuite du diamant vert" de Robert Zemeckis en 1984).

Le directeur de la photographie, Pasqualino De Santis, a travaillé pour Luchino Visconti ("Mort à Venise" en 1971, "L'innocent" en 1976) et Robert Bresson ("Lancelot du lac" en 1974, "Le Diable, probablement" en 1977, "L'argent" en 1982). C'est tourné en splendides décors naturels au Kenya et l'utilisation des animaux dressés ou sauvages est particulièrement réussie. Les quelques longueurs vers la fin et des trucages, inspirés de "Les oiseaux" (1963) d'Alfred Hitchcock, trop artisanaux, n'expliquent pas que cet agréable divertissement familial dépaysant est considéré, par beaucoup, comme un « nanar »… Surtout si on le compare au Tarzan érotique plat de John Derek "Tarzan, l'homme singe" (1981).

À noter que quelques mois avant "Sheena", en février 1984, sortait "Gwendoline" dernier film de Just Jaeckin ("Emmanuelle" en 1974, "Histoire d'O" en 1975, "Madame Claude" en 1977), adaptation, dans la même veine que "Sheena", mais adulte, de la plus célèbre BD de bondage. Avec Zabou et Bernadette Lafont (!)

9

Curiosité fascinante, étrange, pour son cocktail inédit de space opera baroque, de péplum italien et d'expérimentations arty surréalistes, mais en fin de compte trop longue et maladroite. Frustrante et désagréable.

Dino De Laurentiis tente encore une fois, après le plus parodique "Flash Gordon" (1980), de surfer sur le succès de "Star Wars" dont le troisième épisode était sorti un peu plus tôt.

Il a pensé avoir les même ingrédients pour préparer le même plat, mais il s'est trompé. L'analyse de ce ratage monstrueux est fascinante. Le charmant "StarCrash" de Luigi Cozzi était aussi un exemple du même problème, mais la superproduction "Dune" a coûté trente fois plus.

Ridley Scott ("Alien") ayant quitté le projet pour rejoindre "Blade Runner", c'est la fille du producteur qui, émerveillée par "Elephant Man" (1980) a décidé de confier la réalisation à David Lynch qui venait de refuser la direction de "Le retour du jedi" proposée par George Lucas. Ce sera le premier film en couleurs du cinéaste. Qui tourne en CinemaScope et 70mm !

Par rapport à la trilogie de Lucas, "Dune" est beaucoup plus confus et épisodique, avec quantité de personnages, aux fonctions et noms impossibles à retenir, qui apparaissent et disparaissent, avant de parfois trahir. Il est question de conflits politiques à la Shakespeare. Tout ça reste broussailleux. Je n'ai toujours pas compris quel est le rôle du chanteur Sting qui surjoue, torse nu. Un long roman a été beaucoup trop concentré en moins de deux heures et demie. "Dune" exige beaucoup trop d'effort de concentration du spectateur. En conséquence, plutôt que d'être diverti, il se sent oppressé. Alors que dans "La guerre des étoiles", les bons et les méchants sont immédiatement identifiables, il est ici très difficile de distinguer les différents clans. Dans "La guerre des étoiles", les personnages sont présentés peu à peu, l'un après l'autre et le scénario les rend attachants, tandis que dans "Dune", ils manquent de profondeur. Selon Bertrand Tavernier et Jean-Pierre Coursodon dans "50 ans de cinéma américain" : « Sur le plan de la simple intelligibilité, l'histoire est incompréhensible à qui ne connaît pas le roman, malgré un déluge d'informations complémentaires fournies par le commentaire. Les personnages, les conflits, réduits à des schémas hâtivement esquissés, n'ont aucune épaisseur, aucune force de conviction. »

La narration est souvent rapidement exposée en voix-off, laissant le spectateur étourdi. Il finit tôt ou tard par renoncer à comprendre l'histoire. Reste alors l'admiration des décors rétro-futuristes de style art déco colonial (certains rappellent le dyptique "Diabolik!" et "Barbarella" du même producteur), maquillages, photographie du grand Freddie Francis et lumières soignés et bien sûr des effets spéciaux souvent de première qualité, dont une séquence d'animation 3D (duel aux boucliers) qui était vraiment éblouissante à l'époque, même si elle a mal vieilli. Et surtout de nombreux effets artisanaux à l'ancienne, parfois aussi excellents que ceux de "Star Wars". Rejeté par le film, le spectateur a le loisir de constater les problèmes de rythme et le visage candidement souriant du jeune (mais en fait trop vieux de dix ans pour le rôle, ce qui est fort gênant) et alors chevelu Kyle MacLachlan, pitoyablement risible alors qu'il grimpe sur un ver géant, sorte de vagin béant et denté, qu'il pilote avec l'air benêt sur fond de grossière transparence. Pire, les brides que le spectateur comprend de l'histoire, à très fortes tendances new âge, sont suffisantes pour constater que c'est mauvais, pesamment mauvais. Bref, ce n'est pas divertissant, il faut beaucoup se concentrer, mais pour de toute façon un résultat négatif (de la soupe new âge indigeste. Un peu comme le cinéma philosophique et bourgeois de Jean-Luc Godard depuis la fin des années '80.)

La musique, du rock pompier, est composée par le groupe de ringards "Toto" et Brian Eno, convoqués par David Lynch.

Contrairement à "La guerre des étoiles" qui n'était qu'une actualisation des serials de la fin des années '30 comme "Buck Rogers" ou "Flash Gordon", "Dune" ne s'adresse pas aux moins de treize ans. C'est plein de scènes bavardes, aux dialogues solennels, mise en scène comme un lourd péplum. Il n'y a même pas de combats spatiaux ! Mais alors, qui est le public ciblé par cette histoire ultra-kitsch de duc, baron et messie de l'an 10 191 ? Les fanatiques de ce type précis de littérature de science-fiction ne sont pas assez nombreux pour remplir les salles. De surcroît, la plupart de ceux qui ont apprécié le livre crient au sacrilège, l'adaptation n'étant pas suffisamment fidèle à leur lecture.



La fin, étonnamment abrupte après une si longue épreuve, tombe à plat et finit par laisser une impression de frustration, particulièrement décevante après une première demi-heure plutôt prometteuse qui pouvait laisser de l'espoir.

C'est tourné dans les mêmes studios mexicains (studios de Churubusco) que les deux Conan du même producteur, en fait en même temps que le second.

Max von Sidow joue un important rôle secondaire, mais j'avoue qu'à ce stade je n'étais déjà plus attentif et donc ne pourrais pas décrire son personnage.

Une suite était prévue (Lynch en avait déjà commencé l'écriture), mais sera annulée suite au flop. Le producteur paiera quand même le moins coûteux "Blue Velvet" (1986) du cinéaste.

À noter qu'il existe une version bricolée plus longue de 37 minutes. Qui dure donc 177 minutes. En pan et scan, elle semble montée pour la télévision et a été vigoureusement rejetée par David Lynch. Cette version rallongée a été diffusée aux USA en deux soirées et est sortie en DVD en Europe. Il y a eu aussi une "spécial édition" sans doute en DVD de 190 minutes.

Vu les meilleurs extraits dans "Temps X", puis vers 1987 la version normale, mais pan scannée, à la télévision (m'étais ennuyé au point d'abandonner avant la fin), puis en 35mm au Musée en septembre 2001, revu dans la salle Ledoux en novembre 2019 la copie peu usée avec une fine verticale pendant environ un quart d'heure et un peu abîmée aux changements de bobines.

5 (cinq)

7

Le cinéaste prend joyeusement à contre-pied son chef-d'œuvre ultra-réaliste, jalon de l'horreur gore, pour une suite grotesquement grand-guignolesque aux limites de la parodie.

Si je me souviens bien, Tobe Hooper a déclaré avoir accepté le contrat avec la Cannon pour tourner les deux autres films ("Lifeforce" et "L'invasion vient de Mars".)

9

Produit par Pierre Drouot comme "Les lèvres rouges" (1971) de Harry Kümel.

Bizarre thriller (un peu) érotique flamand tourné, en anglais, entre autres à Blankenberge, la gare d'Anvers, sous le pont près de la rue des Plantes à Saint-Josse et dans la vieille cité sociale située entre la rue Blaes et la rue Haute ; aux multiples influences : le réalisme magique d'André Delvaux (pour qui le cinéaste joua de petits rôles), le cinéma élégant d'Eric de Kuyper, celui de Daniel Schmid (on évoque aussi Werner Schroeter), le Paul Verhoeven artificiel de "Le quatrième homme" (1983), "Malpertuis" (1971) de Harry Kümel, mais aussi l'esthétique tape à l'œil de Jean-Jacques Beineix et Luc Besson. Et même "Mad Max 3" (1985).

Le scénario est digne d'une "bande dessinée adulte" de l'époque qui aurait mal vieilli. Hors Charlotte Rampling, les acteurs ne trouvent pas le ton juste. La photographie est parfois très jolie. Le choix des lieux n'est pas du tout crédible. Quelques moments aux frontières du surréalisme sauvent ce second film de fiction de Patrick Conrad qui arrête ensuite sa carrière à l'âge de 42 ans, pour se consacrer à la littérature (de genre et poésie.)

À noter, dans un rôle secondaire, Eva Robin (qui joua en 1982 dans "Ténèbres" de Dario Argento), un véritable transsexuel montré longuement nu. (il y a aussi Romy Haag, vedette transgenre de l'époque). Et du sadomasochisme. Et autre audace.

Chansons signées Lou Deprijck.

Curiosité délirante over the top, non dénuée de longueurs, à prendre comme une expérience onirique datée, kitsch haut de gamme. Pour esthètes décadents.

As a thriller "Mascara" is a failure but as cinematic oddity it rates just average.

petit 9 (si en 35mm, sinon moins.)

Entre les Monty Python et John Waters, une brouillonne mais jouissive comédie anarchiste (du gauchisme radical qui ne serait plus subventionné à notre sinistre époque), dont la narration fait penser aux bandes dessinées publiées par "Fluide Glacial".

Le réalisateur cite plutôt les Marx Brothers et "Dallas". Il est vrai que c'est très eighties, très look Sandra Kim, ce qui rapproche "Eat the Rich" de "Camping Cosmos" (1996, mais son action est située pendant l'été 1986) de Jan Bucquoy. On programme "Eat the Rich" avec le très théâtral "Le cuisinier, sa femme et son amant" (1989) de Peter Greenaway qui est gratuitement provocateur, sans la finesse de Luis Buñuel ou Manoel de Oliveira ("Os Canibais", 1988).

"Eat the Rich" ne plaira pas aux bourgeoises admiratrices de Naomi Kawase, ce qui rend ce petit budget anglais, joué par des acteurs de télévision, si sympathique.

Apparitions de quelques importantes vedettes de la musique populaire anglaise.

Vu au Nova en juillet 2019 une rarissime copie sous-titrée en français prêtée par la Cinémathèque de Toulouse.

petit 9

8

J'avais assisté à une projection de "The Addams Family" vers 2001 au Musée. J'en étais rapidement sorti ou avais dormi. J'ai retenté dans les meilleures conditions, à Flagey, en novembre 2023 et me suis encore endormi aux deux-tiers, après avoir trouvé le temps long.

Cette adaptation d'une série télévisée des sixties (qui avait déjà été adaptée en dessin animé et en téléfilm), qui était déjà l'adaptation d'une bande dessinée, semble un prétexte pour produire un terne sous-Tim Burton. On pense clairement surtout à "Beetlejuice" ('88), mais aussi à "Batman" ('89) et "Edward aux mains d'argent" ('90). Le cinéaste étant lui-même influencé par "La famille Adams", la boucle est bouclée. De surcroît, le scénariste Larry Wilson avait travaillé sur "Beetlejuice" et la scénariste Caroline Thompson sur "Edward aux mains d'argent".

Je n'ai jamais vu le produit original, mais peux déterminer qu'un des principaux problèmes de ce film est sa durée, trop longue et sans suffisamment d'intrigue pour la meubler. Le scénario est rachitique, sans consistance, trop sage, enfantin, mais ne convient pas aux enfants. Ce n'est en réalité qu'un patchwork de scénettes loufoques, grandguignolesques. Par ailleurs, connaître la famille et leur prénom aiderait à comprendre la narration. Il faudrait prendre des notes.

C'est laborieusement mis en scène par Barry Sonnenfeld qui était alors directeur de la photographie, notamment des frères Cohen. Il avait photographié "Big" (1988) et "Misery" (1990). Ensuite, il réalisera la trilogie "Men in Black".

Avec Anjelica Huston (plus assez jeune pour le rôle), Christopher Lloyd ("Doc" dans les "Retour vers le futur, ici amusant dix minutes) et Christina Ricci ("Casper" en '95, "Buffalo '66" en '98 et "Sleepy Hollow" en '99.)

À noter des effets spéciaux admirables, mais sous-exploités (par exemple la main baladeuse.)

Il y a eu une suite deux ans plus tard ("Les valeurs de la famille Addams"), avec le même casting, mais de réputation elle ne serait pas plus réussie.

Peut-être à revoir chez soi, et surtout en version doublée en français, parce que c'est relativement bavard et que l'effort n'est pas suffisamment récompensé, ce qui finit par assommer.

gros 6

Adaptation hongkongaise live d'un manga, déjà adapté au Japon cinq ans plus tôt en animation ("La cité interdite"/"Supernatural Beast City" qui semble supérieur, plus viscéral et contient plus de sang, de nudité et des viols.)

"Wicked City", produit par Tsui Hark, est plein d'effets spéciaux artisanaux créatifs, souvent soignés et d'idées saugrenues (notamment une femme-araignée et une femme-flipper), avec une imagerie de mangas reproduite dans le réel, à la sauce mélo de soap-opera. Avec beaucoup de lumières colorées et de filtres, le plus souvent bleus. "Wicked City", qui s'inspire de "Terminator 2" sorti un an plus tôt, m'a fait penser à l'injustement méprisé "Batman & Robin" (1997) de Joel Schumacher.

L'énorme problème est la narration brouillonne et confuse : il se passe une multitude de choses, mais le spectateur a l'impression que cela n'avance pas. Cela finit par patiner ferme.

Placement de produit pas du tout discret, limite publicitaire pour Perrier.

Vu une copie 35mm d'époque en bon état (quelques griffes) d'une cinémathèque privée des Pays-Bas, en mars 2022 dans la salle Ledoux, malheureusement sous-titrée en anglais (ce qui est gênant vu le scénario déjà confus.)

7+1 = 8

Dans la même catégorie, un film de super-héros hongkongais, une sorte de sous-"Batman Returns" avec Maggie Cheung : "Heroic Trio" (1993). Ou encore plus idiosyncratique et aux effets spéciaux encore plus fauchés et grotesques : "Lo Mau"/"The Cat" (1992).

« Alerte aux plombiers »

Cet ambitieux échec est un inégal film pour enfants trash qui a le mérite de transformer un univers coloré et joyeux en lugubre dystopie violente et froide, totalement destroy, inspirée de "Blade Runner" (le décorateur David L. Snyder a travaillé sur les deux films.) On se situe dans la veine des productions Spielberg ("Indiana Jones", "Les Goonies", "Hook", "Jurassic Parc", ...) et des Tim Burton ("Beetlejuice", les "Batman" etc.) "Super Mario Bros." rappelle également "Les Maîtres de l'Univers" (produit par la Cannon en 1987) et "Les Tortues Ninja" (1990) avec lesquels je le confonds.

L'énorme problème est le nombre de réalisateurs, producteurs, scénaristes (chacun semble tirer la couverture vers lui) et leurs conflits, ce qui provoque un résultat lâche, déconcertant, avec des conventions poussiéreuses (princesse prisonnière dans une tour, amulette etc.), mais des audaces punk. Le ton n'est pas uniforme, parfois kitsch, parfois nihiliste, parfois mièvre, mais au second degré.

En conséquence, la narration est régulièrement laborieuse. Cela part intensément dans tous les sens. Il est donc difficile de rester constamment attentif. Le résultat est déroutant et déprimant. C'est cahotique, strident et trop long, mais il y a suffisamment d'éléments inventifs et drôles à picorer ici et là, à condition de ne pas faire la fine bouche. Pour illustrer d'un exemple : le père de la princesse est transformé en champignon, plus précisément une mycose dégoulinante, qui aide les héros.

Avec Bob Hoskins ("Racket ; Du sang sur la Tamise" en 1980) qui reprend ici un peu son rôle de "Qui veut la peau de Roger Rabbit" (1988). Et Dennis Hopper peroxydé, au-delà du cabotinage.

Contrairement à ce que prétend sa réputation, il ne s'agit pas d'un mauvais film. Les effets spéciaux étaient excellents pour l'époque. Le extérieurs sont tournés à Brooklyn, ce qui ajoute un cachet. La musique est d'Alan Silvestri, qui avait enrobé plusieurs productions importantes typiques de cette période ("À la poursuite du diamant vert", les trois "Retour vers le futur", les deux "Predator", "Qui veut la peau de Roger Rabbit", etc.)

Une suite est amorcée à la fin, mais la sortie fut un flop commercial, le produit ne trouvant pas suffisamment de spectateurs. Trop intelligent pour les ploucs. Trop beauf pour les snobs superficiels (comme Hugues Dayez qui défend le théâtre BCBG filmé académiquement.) Trop adulte pour les enfants. Trop enfantin pour les adultes.

Au fil du temps, "Super Mario Bros." s'est enfin trouvé un public : celui qui l'a vu, sans doute à la télévision, enfant. La salle Plateau était étonnamment remplie de 25-35 ans pour une fois très respectueux. Personne ne s'est moqué de l'œuvre, ni mangé, ni consulté son smartphone.

Des placements de produit (eau, soda).

Je l'avais vu distraitement sur Canal+ pendant l'été 1994. C'est à la suite de la sortie d'une nouvelle adaptation (plus fidèle et conventionnelle, en images de synthèse comme "Toy Story") du jeu que la Cinematok a finalement projeté, dans la salle Plateau en avril 2023, cette pépite injustement oubliée. Il est vraiment dommage que les programmateurs, tous des Flamands depuis des décennies, ne montrent les films que lorsqu'une numérisation sort dans le commerce ou en fonction de l'actualité.

gros 8

Alors que je faisais pourtant très précisément partie du public ciblé, je n'ai pas vu "Tank Girl" à sa sortie, peut-être parce qu'on me l'avait déconseillé, je ne me souviens plus. Je l'ai finalement découvert en mai 2022 dans la salle Ledoux. En copie d'époque quasi-neuve.

J'aurais tant voulu aimer ce "Mad Max" (trop) décalé, foutraque, abusivement présenté comme « anarchiste » et « punk » , mais je suis globalement déçu : le scénario est brouillon, bancal, même s'il y a quelques dialogues amusants. L'ensemble est en réalité lourdingue et très flashy. Une maladroite et vaine tentative de plaire aux jeunes. Les personnages n'ont aucune profondeur. Il y avait à peine de quoi tenir pendant un moyen métrage. Les lecteurs de la bande dessinée affirment que l'adaptation est ratée, édulcorée, moins intense.

Tout est tourné en studio dans des décors ouvertement bricolés. Cela rapproche du spectacle en salle.

Il y a bien sûr cette musique MTV qui enrobe (Hole, Richard Hell, Björk, Portishead, Belly, ...), mais qui n'a finalement que peu de pertinence. Iggy Pop joue un petit rôle.

Malgré la surenchère d'artificielle agitation, la mise en scène est mollassonne.

La vraie révélation est Naomi Watts dans son premier second rôle. Elle irradie et il n'est, en conséquence, pas étonnant que les plus importants cinéastes, notamment David Lynch et Peter Jackson, l'ont remarquée. Elle était absolument envoûtante en brune à lunettes.

7